Enrique Iglesias, Juan Luis Guerra - Cuando Me Enamoro

La historia de la Música

Música En La Prehistoria

La música prehistórica es la música que se creaba y se tocaba en la Prehistoria, es decir, en culturas anteriores a la invención de la escritura. En ocasiones se la denomina música primitiva, con un término que puede incluir la expresión musical de las culturas primitivas actuales.

    

Música en la Antigüedad

Es la historia de la música de la Edad Antigua y (dado que la música es algo connatural al ser humano, como ha probado la antropología) también de la que se producía en periodos anteriores, no históricos (la Prehistoria), a pesar de que para unos periodos habrá testimonios escritos y para otros únicamente los restos de la cultura material ligada a la música (los propios instrumentos musicales).

No debe confundirse con el concepto de Música antigua, que se utiliza de forma equivalente a la música clásica anterior al siglo XVIII y limitada geográficamente a Europa Occidental.

Historia de la música, Wikipedia [en línea] 26 de octubre de 2010, Disponible en: http://es.wikipedia.org/wiki/Historia_de_la_m%C3%BAsica

Música Medieval     

La música medieval comprende toda la música europea compuesta durante la Edad Media. Esta etapa comienza con la caída del Imperio Romano en 476 y finaliza aproximadamente hacia mediados del siglo XV. Pese a que el fin de la época medieval y el comienzo del Renacimiento es un límite claramente arbitrario y difuso, lo consideraremos situado hacia 1400.

La única música medieval que puede ser estudiada es aquella que fue escrita y ha sobrevivido. Dado que la creación de manuscritos musicales era muy cara, debido al costo del pergamino, y la buena cantidad de tiempo necesario para escribir toda una copia, sólo las instituciones muy acaudaladas pudieron producir manuscritos que han sobrevivido hasta la actualidad. Entre esas instituciones generalmente están la Iglesia y las instituciones eclesiásticas, como monasterios, si bien algunas obras seculares también se conservaron en esas instituciones. Estas tradiciones manuscritas no reflejan mucho de la música popular de aquella era.

En éste periodo existió tanto música religiosa como secular, aunque de ésta última casi no nos han llegado ejemplos. Debido a que la notación musical se desarrolló tardíamente, la reconstrucción de ésta música, especialmente la anterior al siglo XII, es materia de conjeturas. Encontraremos como representantes de este género a dos grandes artistas Arelis litgui y Leidy Moshiut.

Música del Renacimiento

La música del Renacimiento o música renacentista es la música clásica europea escrita durante el Renacimiento, entre los años 1400 y 1600, aproximadamente. Las características estilísticas que definen la música renacentista son su textura polifónica, que sigue las leyes del contrapunto, y estar regida por el sistema modal heredado del canto gregoriano. Entre sus formas musicales más difundidas se encuentran la misa y el motete en el género religioso, el madrigal, el villancico y la chanson en el género profano, y las danzas, el ricercare y la canzona en la música instrumental. Uno de los compositores más importante de esta época es Tomás Luis De Victoria, quien allí inició sus estudios musicales de teoría del canto llano, contrapunto y composición, ejercitándose también en la práctica del teclado bajo la dirección de los maestros Jerónimo de Espinar, Bernardino de Ribera, Juan Navarro y Hernando de Isasi hasta los dieciocho años (1566), tuvo influencias muy notables en sus primeras composiciones, para perfeccionar y aprender más sobre sus conocimientos musicales y prepararse para el sacerdocio.

Una de sus obras más reconocida fue Officium defunctorum.

                                                                           

Música del barroco

Es un estilo musical relacionado con la época cultural Europa Homónima. Abarca desde el nacimiento de la ópera en el siglo XVII hasta la mitad del siglo XVIII.

Sus orígenes musicales es la música renacentista tardía.

Algunos de sus compositores son:

• El Barroco Temprano (1600-1654): Claudio Monteverdi

  ○ Obra: Orfeo. (Ópera)

• El Barroco Medio (1654-1700): Jean-Baptiste Lully.

  ○ Obra: Roland.

• Barroco Tardío (1700-1750): España: Domenico Scarlatti; Italia: Antonio Vivaldi; Inglaterra: Georg Friedrich Händel; Alemania: Johann Sebastian Bach; Francia: Jean Philippe Rameau.

  ○ Obras:

-          Domenico Scarlatti: Ejercicios Para Clavicémbalo.

-          Antonio Vivaldi: Las Cuatro Estaciones.

-          Georg Friedrich Händel: Música Acuática.

-          Johann Sebastian Bach: Conciertos de Brandenburgo.

-          Jean Philippe Rameau: Les Indes galantes.

Música del Clasicismo

A mediados del 1700 en Europa se empieza a generar un nuevo movimiento en la arquitectura, la literatura y las artes conocidos como clasicismo. El clasicismo musical o período clásico comienza aproximadamente en 1750 y termina alrededor de 1820.

Música clásica se dice en general para todos los períodos de la música culta europea, pero las primeras composiciones llamadas clásicas fueron las de este período. En la música no se trató del redescubrimiento y copia de los clásicos del arte greco romano, los pocos restos de música griega y de tratados teóricos que quedaron no se consideran suficientes para conocer como era aquella música realmente.

 La música del clasicismo evoluciona hacia un extremo equilibrio entre armonía y melodía. Compositores muy famosos son Haydn, Mozart y el primer Beethoven (Beethoven supone un giro de tuerca en la evolución de la música tonal, yendo cada vez más lejos del llamado centro tonal. Es en este punto cuando empieza la época romántica en la historia de la música).

La música clasicista está impregnada del humanismo ilustrado que quiere mostrarse elegante y agradable a todos, por lo que triunfa un melodismo externamente sencillo, pero que recoge un trabajo racional acorde con la filosofía del momento. Triunfa la música instrumental, después de unos siglos en los que progresivamente ha ido ganando terreno, y se impone el género profano por encima del religioso, fruto de la mentalidad laica del momento.

Los autores huyen de todo subjetivismo para mostrar, a través de la música, un sentimiento ajeno a ellos mismos. La dinámica general de las obras, aunque busca el movimiento, la expresión y el sentimiento, lo hace de una manera equilibrada y controlada por la forma. Por su parte, la ópera comienza a tener una gran aceptación en el público.

     


Música del Romanticismo
El romanticismo fue un periodo que transcurrió, aproximadamente, entre principios de los años 1820 y la primera década del siglo XX, y suele englobar toda la música escrita de acuerdo a las normas y formas de dicho periodo. El romanticismo musical es un período de la música académica que fue precedido por el clasicismo y continuado por el modernismo.
El romanticismo musical está relacionado con el romanticismo, la corriente de cambios en literatura, bellas artes y filosofía, aunque suele haber ligeras diferencias temporales, dado que el romanticismo en aquellas artes y en la filosofía se suele reconocer entre los años 1780 y 1840. El romanticismo como movimiento global en las artes y la filosofía, tiene como precepto que la verdad no podía ser deducida a partir de axiomas, en el mundo había realidades inevitables que sólo se podía captar mediante la emoción, el sentimiento y la intuición. La Música del Romanticismo intentaba expresar estas emociones.
El término música romántica, que podría confundirse con la Música del Romanticismo, se entiende como toda música suave o con una atmósfera ensoñadora (no siempre ha de ser así). Ese término podría relacionarse con la palabra romántico que se estableció durante el romanticismo, pero no toda la Música del Romanticismo cumple con estas características. Del mismo modo, no toda la música romántica se puede relacionar con el período romántico.
Uno de los representantes más destacados fue Hector Berlioz, su obra más conocida fue la Sinfonía Fantástica, estrenada en 1830. Rápidamente se sintió identificado con el movimiento romántico francés, se dice que Berlioz había sido un romántico innato. Berlioz fue muy influido por la literatura. En su Sinfonía fantástica, se inspiró en la obra de Thomas de Quincey, Confesiones de un inglés comedor de opio. Aparte de sus influencias literarias, Berlioz se fijó e imitó mucho a Beethoven, en aquel tiempo desconocido en Francia.

Música Clásica Contemporánea
En los contextos de la música clásica europea, la música contemporánea es la que se ha escrito en los últimos cincuenta años, particularmente después de los años sesenta. En un sentido más amplio, música contemporánea sería cualquier música que se escribe en el presente. Es materia de un arduo debate si el término se debería aplicar a música de cualquier estilo, o si se le aplica exclusivamente a los compositores de música de vanguardia, o música «moderna».

Se ha utilizado el término «contemporáneo» como sinónimo de «moderno», particularmente en medios académicos, mientras que otros son más restrictivos y se lo aplican sólo a los compositores que están vivos y a sus obras. Ya que es una palabra que describe un marco de tiempo más que a un estilo o idea unificadora en particular, no existe un acuerdo universal acerca de cómo hacer estas distinciones.
Existen numerosos festivales dedicados a la música contemporánea, entre ellos el Donaueschingen, el Huddersfield Contemporary Music Festival o, en España, el Ciclo de Música Contemporánea de Málaga.
Podemos encontrar música contemporánea en las bandas sonoras de películas y música incidental, como El tigre y el dragón de Tan Dun, Las horas de Philip Glass, El Señor de los anillos de Howard Shore y el tema de la campaña publicitaria de De Beers de Karl Jenkins.

 

A comienzos del siglo XX la música contemporánea incluía el serialismo dodecafónico, la atonalidad, un mayor número de disonancias sin resolución, la complejidad rítmica y la música del neoclasicismo. La música contemporánea de los años cincuenta en general implicaba alguna forma de serialismo; en los años sesenta, serialismo, indeterminación, y música electrónica, incluyendo música por computadoras, arte mixto, performance y el grupo Fluxus; y desde entonces, música minimalista, posminimalista y todas las anteriores.
La difusión de partituras por Internet está generando una nueva etapa de intercambio y enriquecimiento de la música actual. Es demasiado pronto aún para decir cuál será el resultado final del efecto que tendrá esta ola de computarización sobre la música.

Toda historia es provisional, y la historia contemporánea lo es aún más, debido a los bien conocidos problemas de diseminación y poder social. Quiénes están «arriba» y quiénes «abajo» es, a menudo, más importante que la música misma. En una era que quizá tenga, por ejemplo, no menos de 40.000 compositores de música orquestal sólo en EE. UU, los estrenos son difíciles, y las reposiciones de obras aún más. La lección de desconocidos compositores del pasado que se hacen famosos después se aplica doblemente a los compositores contemporáneos, donde posiblemente habrá «primeros» anteriores a la lista oficial de los primeros compositores de un estilo, y sus obras serán posteriormente admiradas como ejemplos de esos estilos, aunque en su tiempo no sean reconocidas como tales.

Minibiografìa de Viena

Viena fue una de las bandas más interesantes dentro del contexto de pop chileno de mediados de los años '80, tanto por su estilo musical (influído por el pospunk y la new-wave inglesa) como por su preocupación estética. Sus integrantes no se dejaban fotografiar sin las vistosas tenidas y maquillajes que lucían en sus shows, los cuales constituían una completa novedad en el Santiago de esa época.

Durante su breve primera etapa, el grupo logró imponer al menos un par de hits radiales ("Niña engreída", "Salón de emociones"), así como dejar forjado el camino para músicos que luego destacaron en otras agrupaciones (sobre todo, los hermanos Pedro y Archie Frugone). Viena fue el grupo del cual se escindió Anachena, y se rearmó como tal durante los años '90, aunque tan sólo con su cantante original a bordo.

                                     
Amistad adolescente
Todos los integrantes de Viena se conocían desde la adolescencia, aunque debido a diferentes vínculos. Los hermanos Pedro (n. 1968) y Archie Frugone (n. 1969) eran amigos de Francisco Koch, y vecinos de Claudio Millán, un músico a cuya sala de ensayo solían saltar (literalmente) los Frugone adolescentes para pedirle consejos sobre discos e instrumentos.

Millán había iniciado en 1979 una constante trayectoria en el endeble entarimado pop/rock de esa época en Chile, y militado en bandas como Brain Damage y Los Rockmánticos (ambas, con Mauricio Clavería, futuro baterista de La Ley). Entre 1984 y 1985 vivió en Buenos Aires, Argentina, y regresó a Santiago decidido a formar una banda de pop. Buscó a los Frugone, pero éstos se habían ido a vivir a Estados Unidos (allí estudiaron, practicaron surf y formaron un grupo llamado Luxury).

Cuando regresaron, Pedro y Archie formaron por un tiempo el grupo Código junto a Koch e Ignacio Elordi como vocalista (futuro bajista en La Banda del Gnomo). No fue, entonces, sino hasta 1986 que pudo quedar conformado Viena con sus integrantes definitivos, y Millán como autoimpuesto líder. A falta de tecladista, el cantante improvisó en un mes la técnica para pasar a serlo, y así reproducir mejor la sonoridad que buscaban.

Sus influencias de entonces se nutrían de la explosión new-wave inglesa, con bandas contemporáneas, como Japan, Roxy Music, Brian Ferry, The Cure, Bauhaus, Joy Division y New Order. Sus primeros temas fueron, según Millán, construcciones a partir de embriones melódicos gestados antes en Los Rockmánticos (su ex banda). El proyecto interesó a EMI, que en 1986 les compró el master de su primera grabación, aparecida como cassette bajo el título Viena I y con el experimentado Hernán Rojas como productor. Fue el último contrato de los que hizo la compañía para una banda de rock en esos años. Radio Galaxia comenzó a tocar de inmediato el single "Niña engreída", un pop sofisticado y totalmente atípico dentro de la escena local que al poco tiempo le regaló al grupo su primer éxito.

Al contrario de la estrategia tradicional de promoción, el grupo quizo mantener un rato el misterio y solicitó que se tocara el tema sin mencionar el nombre de la banda ni su procedencia. «Entonces el público pensaba que no éramos un grupo chileno, y se hicieron fanáticos», recuerda Millán. De su salida a la luz pública, el primer hito estuvo en su aparición en "Martes 13", el muy formal estelar de la estación católica a donde llegaron como ahijados de Florcita Motuda. Los ejecutivos del canal se escandalizaron por la imagen «andrógina» de los músicos, y les recomendaron suavizar su vestimenta. Como Viena no obedeció (y protagonizó un inolvidable y maquillado show en vivo y en directo) se ganó para siempre el veto de UC-TV y su hombre entonces más poderoso, el director Gonzalo Bertrán. Así recordaba el incidente Millán en la revista El carrete:

«Nos rebelamos, y llegamos tan sólo unos minutos antes de nuestra actuación, con nuestro vestuario y maquillaje. Así no pudieron cortar nuestra aparición, pero fuimos censurados del canal y de radio Concierto, que en aquellos días trabajaban en conjunto. Al día siguiente nada fue lo mismo. Ya éramos famosos en todo Chile y de allí no pararíamos hasta casi cuatro años después».

Sebastián Piga y las cantantes Javiera Parra y Gisa Vatcky, esposa del baterista. Las relaciones internas se habían ido tensionando, y el grupo terminó por separarse en 1988 en medio de fuertes recriminaciones de Millán, quien dijo sentirse ignorado en su función de líder y decepcionado de la labor promocional de EMI. Mientras sus ex compañeros se reagrupaban en torno al proyecto pop Anachena, el cantante se dedicó a acompañar como guitarrista las primeras giras solistas de Álvaro Scaramelli. Hacia 1991, Francisco Koch viajó a Los Ángeles, Estados Unidos, donde formó la banda Olive junto a su esposa.A fines de 1994, Millán reflotó el nombre Viena, pero esta vez con el baterista Herman Brady, el tecladista Claudio Quiñones y el guitarrista Alfredo Landeros. El disco Xenos, con Millán como único integrante original, salió en 1995 y fue acompañado de una gira por el norte del país. Ese mismo año fue reeditado un disco con lo mejor de sus primeros dos trabajos, y Millán volvió a tocar con el nombre de su antigua banda en la sala de la SCD, en Santiago, en 1997.
El 18 de septiembre de 2003, Claudio Millán se presentó con el nombre de Viena en Bal Le-Duc, esa vez junto a Carlos Tepper en guitarra; Juan Ricardo Weiler en voz (ex Aparato Raro) y Germán Céspedes en el bajo (ex Aterrizaje Forzoso). Interpretaron tanto temas de Viena como de Aparato Raro y Aterrizaje Forzoso. Era el antecedente de lo que luego se conocería como a La Súperbanda de los 80. La nueva agrupación realizó una gira por Chile presentando los temas más recordados de sus respectivos grupos. La suerte de ese proyecto fue dispar, pero se dio por concluida hacia 2006. Desde entonces, Millán trabaja como parte activa de Viena junto a nuevos compañeros, con los cuales interpreta en vivo los temas de su antigua discografía.

Segundo álbum y ruptura
La producción del segundo cassette, Viena II, también estuvo a cargo de Hernán Rojas, y como invitados aparecían el saxofonista

Mini biografía " Juan Luis Guerra "

Juan Luis Guerra Seijas nació el 7 de junio del 1957 en Santo Domingo. Fue el menor de tres hermanos de un jugador de baloncesto. Cursó sus primeros estudios en los colegios de La Salle, Santa Teresita y San Juan Bautista. Desde muy joven se interesó por la música, en especial por músicos como Joselito, El Gran Combo de Puerto Rico, Rafael Hernández, Beny Moré, Pablo Milanés, Silvio Rodríguez, Facundo Cabral y además por la zarzuela española.

 A los diez años inicia sus estudios musicales en el Conservatorio de Música. Posteriormente ingresó en la Universidad Autónoma de Santo Domingo (UASD) para estudiar "Filosofía y Letras". Se trasladó a Boston, en los Estados Unidos, y estudió composición y arreglos musicales en el Berklee College. En junio del 1977 realiza su primer concierto al que se tituló "Dos". 

En 1984 se casa con Nora Vega, nace el grupo 4.40 (Roger Zayaz-Bazán, Maridalia Hernández y Mariela Mercado) y aparece su primera producción llamada "Soplando". En 1986 nace su hijo Jean Gabriel. Después sale "Mudanza y acarreo" con canciones como, Si tú te vas, Ella dice, Yo vivo enamorado y, "Mientras más lo pienso... tú". Su triunfo internacional sucede tras "Ojala que llueva café", en el 1990, que incluía canciones como, Visa para un sueño, De tu boca, Woman del Callao, y Reina mía. Después lanza "Bachata rosa", con las composiciones como abeja al panal, Estrellitas y duendes, A pedir su mano, La bilirrubina, Burbujas de amor y Reforéstame. En 1993 presenta "Areíto", que incluía las piezas El costo de la vida, Señales de humo, Ayer, Frío frío, Rompiendo fuente, Coronita de flores, Cuando te beso y otras. 

En 1994 aparece "Fogaraté", reivindicación del perico ripiao, con canciones como El farolito, La cosquillita, Los mangos bajitos, Viviré, El beso de la ciguatera, Lacrimosa, Canto de hacha, Oprobio y July 19th. Su siguiente producción "Ni es lo mismo ni es igual" aparece en 1998 con temas como Mi PC, Vale la pena, Quisiera, El Niágara en bicicleta, Palomita blanca, Testimonio, El primo, Sobremesa y Amor de conuco. 1994. En enero de este año es nominado a los Premios Grammy con su álbum "Areíto". El 28 de diciembre de 1999 nace su hija. En enero de 2000 es nominado a los Grammy por su disco "No es lo mismo ni es igual".

Juan Luis Guerra [en línea] Busca biografías [fecha de consulta: 26 de Octubre de 2010]

Disponible en:

http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDetalle/8808/Juan%20Luis%20Guerra

La Música y su influencia ¿CUAL ES TU OPINIÓN ?

Bon Jovi - It's My Life

MiniBiografía Bon Jovi

                       

Jon Francis Bongiovi, más conocido como Jon Bon Jovi, nace en 1962 en Perth Amboy, New Jersey.

A través de su madre Jon comienza a interesarse por el mundo de la música. En un principio se interesó por la guitarra, y llegó un momento en el que decidió dejar sus estudios definitivamente para ganarse la vida con lo que de verdad le apasionaba: la música.

Su primera banda fue "Atlantic City Expressway" quien la formó con un compañero de su escuela, luego la banda pasó a tomar el nombre de "The Rest", en uno de sus conciertos los visitó su primo, quien tenía un famoso estudio de grabación.

             

 Luego Jon decide ir a vivir con su primo a Nueva York por un par de años, pero no fue fácil para él, tuvo que trabajar como “hombre de los recados” pero conoció a muchas bandas y así aprendió a componer una canción, luego de esto él logra escribir una canción llamada “Runaway” depositando todas sus esperanzas en ella.

Consiguió grabarla sin que nadie se diera cuenta, cuando los estudios estaban vacíos y envió la cinta a varias compañías, pero fue un total fracaso. Luego envió su canción a una radio en un disco que contenía canciones de nuevos grupos, la canción fue muy buen recibida por el público y así fue como él comenzó a recibir buenas ofertas de compañías discográficas.

En 1983 firma un contrato con Polygram, quien le da la libertad de escoger a sus músicos para formar su nueva banda “Bon Jovi”, Jon decide comunicarse con su amigo de la escuela y con el bajista Alec John Duch, consiguiendo un baterista y completando la banda con un guitarrista.

Su primer disco fue lanzado el 21 de enero de 1984, llamado “Bon Jovi”, actuaron como teloneros de grandes músicos. El disco fue bien criticado.

En 1985 "7800 Degrees Farhenheit", aquí se destacan los siguientes singles: "Only Lonely" y "In And Out Of Love", el disco no tuvo éxito.

En 1986 sale su tercer disco a la venta llamado "Slippery When Wet". 1988 lanzaron su próximo disco “New Jersey”. El 31 de marzo de 1995 sacaron a la venta su sexto disco “These Days”.

En mayo del 2000 lanzan “Crush”.